音楽之友社からプーランク合唱曲の国内版楽譜が出た。編成別に全く別の書法を執っている作曲家なので、混声、女声、男声がまとめて出るのも嬉しいところ。値段も従来のSalabertのものよりずっと安く（一番高い混声でも2200円）、合唱の人はもちろん、作曲の人も手に取りやすくなりました。研究しそこねていたら大変なことになるような重要な作曲家です。

僕にとってのプーランク原体験は「クリスマスのための4つのモテット」で、最初に出会ったときには、あまりにキャッチーな和音の響きに（特に終曲）驚いたと同時に、常套句ではない内声の動きが頻発するのに戸惑いました。で、この作曲家はなんだ？と思って、高校（普通科）の図書館にあった音楽辞典か何かでプーランクを調べてみると「正統的な和声教育を受けていないため、アカデミックな側面からは批判もある」といった感じの記述を含む短い記事が載っているのみ。でもそれくらいしか情報がないから、アマチュアの作曲家だから書き方がおかしいんだ、と思ったのを憶えています。

その次に出会ったのはサルヴェ・レジーナやミサ（ト長調）、そして大学に入ってからはフルートソナタをはじめとする管楽器の各楽曲、オーケストラ、ピアノ曲、と、次第にプーランクの幅広い顔に出会うようになり、ついにはChesterに許可をもらって「象のババール」のオーケストラ版編曲を上演する、というところまでいきました。

プーランクの音楽と言えば何をおいても「耳の良さ」に尽きるでしょう。シンプルなメロディや和音（あるいはその反面の凝った和音）、といったことだけで言えば他の作曲家にも見出すことはできるんだけど、これだけ耳の良い人はそう滅多にいるものではないし、それがプーランクを特徴づけているといえるでしょう。

今回楽譜が出た合唱曲を例に取れば、ミサ（ト長調）の1曲目Kyrieにも地味ながらすごいところがあって、最初のKyrie部分が終わる直前の第18小節目。3拍目がさらっとFis抜きの空5度になっているのもさることながら、4拍目では下からd-d-d-fisの根音+長三度音のみのドミナント、というのが響きます。

プーランク ミサ（ト長調）Kyrieより第17小節

テノールの旋律線としてはa-d-hの3音の動きは極めて常套的だけど、和声的に考えると、4拍目のテノールは3拍目と同じくaに残るのが「普通」。でもプーランクはこういう部分で無意識に、ありふれた贅肉付きの和音なんて響かせません。柱のようにdのオクターヴが響く中に、上昇志向の第3音のfisを響かせるのです。

でもKyrieセクションを終わらせるために次の第19小節は安定した響きの得られるg-h-d-gの和音。ただし、直前で高めのdを鳴らしているテノールは、次のhにも明るさを残したまま移行していきます。これはa-hと2度上行する常套手段だと得られない響き。こういう「和声の中の各パート」ではなくて「各旋律の結果としての和声」がところどころで絶妙な効果を引き出していきます。

プーランク ミサ（ト長調）Kyrieより第28小節

この18小節目4拍目のdとfisのみの和音が、あとで拡大されるのが、Christe部が終わる第29小節の和音。力強く充実した響きが得られるこの箇所をよく見ると、3和音を完成させるためのaの音がどこにもない！とても充実した響きなので、耳からの表層的な印象だと4パートでは足りずにdivisionも使って和音を鳴らしているように思うけれど、実際はdのオクターブに、ソプラノのfisが乗っているだけ！

こんな和音配置、よほど実際の鳴り方に自信を持っていないと書けません。普通は受けてきた「和声教育」とやらが邪魔をしてaを書き足したくなるでしょう。でも、プーランクは、この箇所にdのオクターブだけで柱を打ち立てることを選んでいます。

「プーランクの合唱書法」というと、ピアノで弾くと意味のわからなくなる内声部が交替する書法などが話題になることが多いかもしれませんが、ほかにも随所に特別な書法が仕込まれています。いまでも、楽譜を読みなおすことで発見の多い、学びの多い作曲家です。

岸田今日子さんの朗読、舘野泉さんのピアノによる「ぞうのババール」。2001年の録音です。
もう何度も聴いてますが、舘野さんのピアノの雄弁さにも唸らされるけれど、岸田さんの朗読がスゴすぎてスゴすぎて、思わず音楽は要らないから声を聴かせろ！！声をっ！！！と思ってしまうような内容。

声だけの表現、子供でもはっきり理解できるような、絵本を翻訳しただけの日本語（矢川澄子さんによる翻訳も実に巧みで上質な仕事です）なのに、自在に呼吸し変化する声が、振幅の広い奥行きある表現世界を形作ってます。
演奏や、あるいは作曲でも共通するけれど、「間」や「なんの変哲もない音」を怖がらずに語彙として使えるか、縮み上がって先を急いでしまうかで表現世界は根本的に違う次元に至ります。
岸田さんの朗読は、まさにそういう点で世界が違う。

ババールに興味を持った方は、いろんな朗読のCDが出ているけど、ぜひぜひ岸田今日子版をお求め下さい。
池袋のWAVEでは子供向けコーナーにおいてありましたが、こんなものを子供だけに与えておくのは勿体ない！

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で、また28日の宣伝です。

最近あるピアニストと、音楽プロデューサーの方と話していて「音楽家は自己プロデュースの能力のない人が多すぎる」とか「音楽用語を使わないとお客さんと会話できないようじゃあ、新しい聴衆を獲得できない」という話をしました。
全くその通り、とは思うものの、実践の伴っていない僕にとっては「じゃあどういう言葉で語れば？」という疑問が残ります。機会あるごとにそういう視点を持っていきたいとは思いますが、今回たまたま、編曲したそうのババールについて解説文を書く機会を貰ったので、さっそくそういう視点でチャレンジしました。
使ってしまった音楽用語は「プーランク」「オーケストラ」「室内オーケストラ」「ピアノ（楽器）」「メロディ」「編曲」。

「ピアノ（強弱）」「フォルテ」「ソロ」「トゥッティ」「メロディの展開」はどうにか使わずにやりくりできました。

願わくば、易しくするだけではなく、同時に本質を突いた文章に仕立てられるようにしていきたいですね。

たしか永平寺の住職さんの言葉だったと思うんですが

「難しい事を易しく 易しい事を深く 深い事を面白く」。

こういう事を文章でもできたらいいねぇ。難しいけど。
音楽の中で実現するのは、さらにもっと難しい。

というわけで以下が「ぞうのババール」解説です。
興味を持った人は28日に三島までおいで下さい。
http://www.watervision.or.jp/saishin/izu-nyc2007.htm
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フランス人の絵本作家ジャン・ド・ブリュノフの絵本「ぞうのババール」は、1931年に発表されてから今日までずっと世界中で愛され続けています。日本でもたくさん出版されているので、読んだ事のある人も多いのではないでしょうか？
親戚の子供たちが「ババール」に夢中になっているのを見て、この物語に音楽をつける事を考えたフランス人の作曲家フランシス・プーランクは、1945年に朗読とピアノのための作品「ぞうのババール」を完成させました。さらにこの曲を、今日のために新しく編曲したのが、これから演奏される室内オーケストラ版の「ぞうのババール」なのです。
ピアノはふつう一人で弾きますが、オーケストラは、たくさんの音楽家の集まりです。全員でいっせいに大きな音を出す事もあれば、あえて全員が息をひそめて小さな音を出す事だってあります。一人と他のみんなが対話したり、違う楽器の音色を聴かせ合ったりするのも、オーケストラならではの魅力です。物語の場面場面で変化するオーケストラの表情に注目してみるのも、オーケストラを聴く楽しみの一つです。
プーランクはこの曲の中で2つのメロディを大切にしました。1つは物語の最初に出てくる子守歌のメロディ。眠っているババールをママがやさしく揺らしている音楽です。もう1つは、ぞうのメロディ。体の大きなぞうがゆっくりと重い足音で歩くような音楽です。この2つのメロディが物語の進行に合わせて姿を変えながら、何度も出てきます。どの場面で2つのメロディが使われているか気にしてみると、音楽がもっと面白く聴こえてくるかもしれません。
ぞうのババールの音楽を、物語といっしょにお楽しみ下さい。
（堀内貴晃）